28 de abril de 2015

Yoav Kotik, bisutería de autor con materiales reciclados

Del diseño industrial a la bisutería de autor: es el salto que dio el diseñador israelí Yoav Kotik a partir de tapas de botellas desechadas y empleando una técnica propia. Los principales ingredientes de su éxito han sido la creatividad y el trabajo en solitario sin influencias externas que le permitieron crear colecciones muy peculiares con sello propio a partir de materiales reciclados.



Kotik Design
Brazalete realizado a mano con chapas recicladas

Chapas de botellas de refrescos, cervezas, etc., de diferentes países que el diseñador “recolecta” para reciclar y darles una nueva vida que irrumpe con fuerza y frescura en la bisutería de gama alta. Bisutería de diseño o joyería, ya que posteriormente ha incorporado a sus diseños el chapado en oro de 24 quilates.



Pulsera de Kotik
Pulsera realizada artesanalmente con tapas de cervezas

Los accesorios creados por Kotik contienen las emociones vividas en nuestros momentos de ocio con los amigos o la pareja. Esas cervezas ante un partido de fútbol (por ejemplo) que la amistad nos hace disfrutar doblemente, los refrescos preferidos, las bebidas que nos gustan y evocan nuestro tiempo libre. Posiblemente, a ello debe su éxito: su capacidad para rescatar de la chatarra estos tapones, limpiarlos, doblarlos, en definitiva, reciclarlos para convertirlos en adornos artísticos que evocan nuestro tiempo de ocio.

Bisutería de autor, ecológica, Kotik
Pendientes realizados a mano por Yoav Kotik con tapas de Coca Cola

Su gama es muy amplia: pendientes, pulseras, anillos, colgantes, etc., con chapas auténticas que sustituyen a las gemas empleadas en la joyería. Es parte del relevo de la artesanía-joyería ecológica, la bisutería o joyería sostenibles por las que ya apuestan muchos países, también España. El diseñador israelí emplea chapas contra diamantes, evocación de momentos felices contra el dolor de la explotación humana que, a veces, conlleva la extracción de algunas piedras preciosas.


Diseño de Yoav Kotik
Collar creado por Yoav Kotik


Almacenaje, Kotik Design
Zona de almacenaje de tapas, en el taller de Kotik Design

La actual cultura del reciclaje logra que los creativos diseñen sus productos con nuevos materiales, antes impensables, mostrándonos el valor de lo desechado por nuestra sociedad de consumo cuando ha sido transformado por su potencial creativo.


Ciertamente lo ecológico está de moda. Pero este ingenioso diseñador, cuya técnica es tan simple como el cortar y doblar, no sólo basa su éxito en el diseño de artículos básicos de joyería-bisutería principalmente encaminados al sector femenino, sino que, desde mi punto de vista, su gran logro es haber sabido captar el gran impacto comercial y mediático que para las principales marcas de refrescos supone ver constantemente sus logotipos adornando a grandes personajes del mundo del espectáculo y del papel couché.

El otrora diseñador de la afamada Academia Bezatel, a través de su sencilla y eficaz técnica artesanal, sigue pautas creativas propias del África más colorista. 

Lo étnico, el colorido y reconocible diseño de las primeras marcas de refrescos y cervezas, dado su gran impacto publicitario dentro del mundo juvenil global, su fusión con materiales más nobles han sido la gran baza de Kotik para obtener esta reconocida y prestigiosa repercusión internacional.



Cualquier persona de este siglo evidentemente está a favor de lo verde, de lo ecológico, del reciclaje. Cualquiera, con un mínimo de sensibilidad, ahora que domina el pragmatismo y la tecnocracia, está encantado con la innovación, con las nuevas tendencias artísticas, con las nuevas y esperanzadoras ideas sociales. Pero, no nos engañemos: sigue mandando el mundo de la imagen.

Lo peculiar y admirable radica, como en la mayoría de las distintas producciones de éxito, en la búsqueda de la esencia en su grado más amplio.

¿O es que alguien creyó en un primer momento en el tremendo impacto que tuvo un trapo fijado a un palo (la fregona)?

Pues sí, las chapas con las que yo jugaba en el patio del colegio, se han convertido en objetos de deseo gracias al doblar y cortar.





25 de abril de 2015

Subasta de Arte para mejorar la infancia en A Coruña

La Cruz Roja de La Coruña  o, mejor dicho, Cruz Vermella de A Coruña, para conseguir ayudas en favor de su “Proyecto de apoyo escolar para niños en dificultad social”, ha organizado un acto en el Hotel Esperia Finisterre de A Coruña, denominado “Arte por la infancia”.


Dicho acto tendrá lugar entre los días cuatro y ocho del próximo mes de mayo de dos mil quince, constituyéndose en el evento solidario más importante a celebrar en A Coruña en estas fechas.


Para ello ha contado con la inestimable ayuda de Aventi Gestión Deportiva, La Galería de Arte Atlántica Centro de Arte y Square Espacio Cultural en aras de conseguir una organización a la altura que las características y la finalidad de este evento requieren.


Para lograr los objetivos pretendidos se ha organizado una excelente exposición solidaria de obras de arte, las cuales podrán ser adquiridas para obtener fondos con los que paliar, en la medida de lo posible, la situación de los niños en dificultad. De igual modo, como colofón de esta serie de actuaciones, tendrá lugar una cena, que culminará con una subasta benéfica de material deportivo.


Subasta de arte en apoyo de la infancia
Exposición y venta de Arte en A Coruña,para "Arte por la infancia"

Se ha inscrito dicho acto dentro de la programación de Citinart. Así, la expresión de las novedades culturales y artísticas que en A Coruña tienen lugar, es aprovechada por Cruz Roja de la Coruña para dar visibilidad a esta lacra social que supone que un numeroso colectivo de niños sufran un alto grado de riesgo de exclusión social. Un proyecto concreto de esta actividad es la que Cruz Vermella de A Coruña denomina “Éxito Escolar”, en el que se pretende cubrir necesidades alimenticias de los menores pertenecientes a familias en evidente riesgo de exclusión social, y lograr que tengan éxito en su quehacer escolar y académico.

Para ello también se ha contado con la participación de la Asociación De La Prensa De A Coruña , la Asociación de la prensa deportiva de A Coruña, NwnPhoto, Pedro Ramos, director de Polisemias, Dxt Campeón, Milicia Gráfica Estudio, Duna 2.0 y Gráficas Mera.

Para aquellos que quieran pasar unos días en La Coruña, informarles que el Hotel Hesperia Finisterre se ubica en pleno centro de la ciudad, una situación privilegiada con vistas al mar y a una corta distancia de los puntos más relevantes de A Coruña.


El Hotel Hesperia Finisterre
El Hotel Hesperia Finisterre se ubica en el Paseo del Parrote, 2-4. 15001 - A Coruña (España)


En el Salón Victoria del hotel, durante la noche del 8 de mayo tendrá lugar la cena benéfica en apoyo a la infancia.

Aventi Gestión Deportiva, es una empresa global (ubicada en la calle Amapolas) bajo los parámetros deportivos. Su actividad se desarrolla principalmente a través de cuatro puntos o áreas de organización y trabajo: Negocio- Consulting, Formación, Eventos y Campañas de comunicación.
Aventi se define bajo el prisma de tratar el deporte desde todas las perspectivas posibles.

Por su parte, la Galería de Arte Atlántica Centro de Arte, es la responsable del montaje y venta de las obras que componen la exposición. Pone en valor la cultura y el arte como pautas para lograr activar el motor socio-cultural de la capital gallega. Amén de su actividad englobada en el arte contemporáneo, también lleva a cabo actividades de asesoramiento, consulting, gestión, transporte, etc dentro del entramado artístico.

La Galería Atlántica Centro de Arte se encuentra en C/ Novoa Santos, 13, 15006. A Coruña (España), y viene realizando una importante labor social colaborando con diferentes fundaciones y con el Banco de Alimentos de A Coruña.

En cuanto a Square Espacio Cultural, sito en la Plaza de Azcárraga, se define como un espacio multidisciplinar donde distintos profesionales dan orientación y apoyo para obtener los mejores resultados del tiempo de ocio. Basado en actividades culturales, educativas y deportivas.

Menú con motivo de la subasta solidaria de arte
Delicioso menú para la cena/subasta benéfica que realizarán en el Salón Victoria del Hotel Finisterre de A Coruña.


23 de abril de 2015

Las esculturas orgánicas recicladas de Alison Sigethy

Recicladas, artesanales, bellas, dinámicas, actuales, personalizables, etc., así son las esculturas que la artista Alison Sigethy diseña para interpretar con materiales desechados un trozo de mar vivo, naturaleza cambiante o, simplemente, naturaleza que emplea incluso como Arte Terapia, estando sus esculturas presentes en algunos hospitales y cuya finalidad es que los pacientes se mantengan en contacto con la naturaleza.


Arte ecológico a partir de vidrio reciclado (que ella tritura y forma una pasta de vidrio para dotarle de una nueva forma), vidrio y metal reciclados, fragmentos de la naturaleza caídos de forma natural y recuperados por la artista para crear sus magníficas Criaturas de bosques.


Escultura, Criaturas de bosques, Alison Sigethy
Escultura de Alison Sigethy, las estructuras de vidrio han sido pintadas a mano

Apasionada del mar y sus organismos, interpreta la vida contenida en tubos de vidrio inspirados en las muestras que toman los científicos para el estudio de los mares. 


La artista bautiza esta colección como Mar Cores, siendo cada pieza totalmente personalizable desde el tamaño hasta los diferentes colores: las esculturas cilíndricas emiten una hermosísima luz a lo que hay que añadir el relajante sonido y el movimiento de las burbujas de oxígeno.


Todas son piezas únicas y se envían a cualquier rincón del planeta.


Centro de mar, Alison Sigethy, escultura vidrio reciclado
Mar Cores: Agua, vidrio, pintura, luz e inspiración en la naturaleza tropical

La escultora trasmuta el vidrio (material inerte e inorgánico) en formas que recuerdan diversos seres orgánicos, tanto acuáticos como terrestres.


Como el  cilindro de vidrio (Centro de Mar tropical) de la foto superior: contiene estructuras que recuerdan la flora marina, creadas a mano por la escultora con diferentes vidrios también pintados a mano. Fósiles, plantas y diferentes organismos del océano son recreados artísticamente por Alison y sumergidos en el agua destilada rindiendo su personal homenaje a los fondos marinos de diversas zonas del planeta; además, el movimiento del agua y la iluminación de la pieza la dota de un suave dinamismo.

Alison Sigethy ha sido seleccionada para mostrar sus esculturas de vidrio en el 3º Festival Anual ArtFields a celebrar en Carolina del Sur, desde el próximo día 24 de abril hasta el 2 de mayo, donde exhibirá una de sus piezas de la serie Centros de Mar para disfrute de todos los asistentes.

También, como persona comprometida con la ecología y el arte sostenible, ha participado en la muestra “América recicla” en Estados Unidos.




Pequeñas joyas, Alison Sigethy, esculturas de vidrio reciclado
Pequeñas esculturas - joyas creadas por la artista residente en Virginia

Vidrios pintados por la artista, son previamente reciclados, triturados y modelados hasta lograr estas hermosas esculturas orgánicas que, en sí, constituyen pequeñas joyas que nos recuerdan la naturaleza: no en vano se denominan Sea Jewels.


El amor por la naturaleza y la belleza inherente a ella son el eje central de la creatividad de la artista estadounidense. El mar, como lugar de origen de los seres orgánicos y de la vida, es la pasión de la escultora transmitiéndonos-lo en forma de esculturas de gran valor estético y ornamental.

Sus obras están presentes en diversas colecciones tanto públicas como privadas siendo muy apreciadas por su originalidad, gran belleza y sus efectos relajantes.


20 de abril de 2015

Convocado el Concurso de Pintura Primero de Fariña 2015


Bodegas Fariña ha vuelto a convocar el Certamen Nacional que ya llega a su X edición y, nuevamente, premiará con 3.000 € a la pintura que mejor represente el espíritu de la Bodega convirtiéndose en el diseño de la etiqueta de su vino joven. Serán seleccionadas y expuestas las 40 obras que resulten finalistas.



Requisitos: residir en España y presentar la obra antes del 30 de abril.


Certamen de Pintura, Premio de pintura, El Primero de Fariña
Así han lucido las pinturas en las etiquetas de las diferentes botellas de vino Fariña

Con el nacimiento del año dos mil seis, D. Manuel Fariña (Director de Bodegas Fariña) puso en marcha el Certamen Nacional de Pintura “El Primero de Fariña”. Su objeto era, y sigue siendo, fomentar la pintura abstracta, incorporando en la etiqueta de su vino “El Primero” la obra ganadora.

Afortunadamente, y dado el gran éxito tanto de su vino joven elaborado con la técnica de maceración carbónica como del evento artístico, se ha convocado el décimo Certamen Nacional.

El empeño por aunar arte actual y vino, cultura y tradición, es de agradecer enormemente dadas las circunstancias por las que atraviesa tanto la economía como la crisis de valores que sufrimos. Es digno de alabar el enorme esfuerzo que Bodegas Fariña lleva realizando por fomentar la actividad artística dentro del panorama nacional, convirtiéndose en un mecenas de las artes. 


La historia no arranca en dos mil seis, sino que ya anteriormente, en mil novecientos noventa y cinco y con el nacimiento de la primera añada de su vino “El Primero”, artistas como el holandés Vanderbraak, y posteriormente la salmantina Salud Parada o el zamorano Fernando Lozano Bordell, pusieron sus pinceles a disposición de Bodegas Fariña para dar forma a la etiqueta del vino que da nombre actualmente a este certamen pictórico.

Este vino, circunscrito en la Denominación de Origen Toro, es un vino que goza de una marcada frutosidad y gran variedad de aromas que le aportan plenitud y carácter.

Para tener un conocimiento más amplio y detallado de todo lo que concierne a Bodegas Fariña, recomiendo que visiten la página web de esta histórica bodega.

Histórico de los pintores que han ganado el Primer Premio de Pintura ‘El Primero de Fariña’:


En la IX edición, la obra ganadora fue la presentada por Raquel Lara Ruiz:


Raquel Lara Ruiz, Premio Primero de Fariña
Premio de Pintura del IX Certamen El Primero de Fariña, 2014


En el VIII Certamen el Premio fue para esta pintura de Guillermo Ferri Soler:

Guillermo Ferri Soler, Premio Primero de Fariña
Premio de Pintura del VIII Certamen El Primero de Fariña, 2013


Lun Yang ganó con esta obra el VII Certamen:

Lun Yang, Premio Primero de Fariña
Premio de Pintura del VII Certamen El Primero de Fariña, 2012


El Premio del Concurso del año 2.011 fue para esta obra de Rosa Soriano Marzal:

Rosa Soriano Marzal, Premio Primero de Fariña
Premio de Pintura del VI Certamen El Primero de Fariña, 2011


En el año 2.010 Enrique Malmierca ganó el Primer Premio:

Enrique Malmierca, Premio Primero de Fariña
Premio de Pintura del V Certamen El Primero de Fariña, 2010


En la edición del 2.009 se premió la obra de Lola Catalá:

Lola Catalá, Premio Primero de Fariña
Premio de Pintura del IV Certamen El Primero de Fariña, 2009


El Premio del Concurso del año 2.008 se le otorgó a esta pintura de Manuel López de la Fuente:

Manuel López de La Fuente, Premio Primero de Fariña
Premio de Pintura del III Certamen El Primero de Fariña, 2008

En el año 2.007, el Primer Premio fue para la obra de Chao Cheng Huang:

Chao Cheng Huang, Premio Primero de Fariña
Premio de Pintura del II Certamen El Primero de Fariña, 2007


En la Primera edición, la pintura ganadora fue la presentada por Antonio Carretero:

Antonio Carretero, Premio Primero de Fariña
Premio de Pintura del I Certamen El Primero de Fariña, 2006





1 de abril de 2015

Los diseños exclusivos de lámparas de papel de Paula Arntzen Hang

La diseñadora holandesa Paula Arntzen crea a partir de diversos materiales, pero son sus diseños realizados con papel los que más han llamado mi atención: complementos de iluminación o iluminarias realizados artesanalmente, lámparas de techo exclusivas dotadas de una gran belleza y originalidad que nos ilustran de cómo el diseño actual estrecha la distancia que le separaba del arte, hasta el punto de convertirse en prácticamente imperceptible.



Lámpara de diseño de Paula Arntzen
Lámpara realizada artesanalmente con papel transparente: aúna belleza y funcionalidad.

Trabajando con nuevas formas y materiales, flexibles, que permiten diseños más orgánicos, la diseñadora da rienda suelta a su creatividad y crea complementos de iluminación de gran atractivo sin menoscabar su funcionalidad.


Tras una previa y gran investigación con formas escultóricas basadas en el papel, Paula culminó con la creación de la colección denominada “Procesos de papel” en la que juega con la interacción de los diferentes planos de las tiras de papel, principalmente estucado, de alta calidad y la luz y sombras que proyectan las luces que albergan.

Lámpara de papel, diseñada por Paula Arntzen
Lámpara de techo de diseño exclusivo, Paula Arntzen

La impresión óptica es de una escultura realizada con diferentes tiras de papel pintado destinada a albergar luz: arte en lámparas.


Trabajando con cintas de papel dispuestas en diferentes planos y empleando una armónica gama de colores, diseña lámparas con forma de bulbo de gran belleza, elegancia y modernidad. Además, todas han sido elaboradas a mano, siendo piezas exclusivas, obras de diseño - artesanía.

Iluminación de diseño, Paula Arntzen
Lámpara artesanal diseñada por Paula Arntzen

Por las características del material (papel) las lámparas son de gran ligereza y, a pesar de su humildad, el resultado es de una gran originalidad y sofisticación, además de ser todas ellas piezas únicas. No en vano es una de las diseñadoras “fichadas” por Artecnica que comercializa alguna de sus creaciones, si bien Paula Arntzen es una diseñadora independiente que diseña en su propio estudio donde continua investigando sobre las propiedades conjuntas del color, el papel y la luz.


Diseñadora y artesana pues, en definitiva, estamos ante una artista. Una escultora fascinada por las luces y el color, formada en la fabricación de muebles y en diseño industrial, la sirvió de base técnica pero supo dar, gracias a su gran creatividad, un giro al diseño de lámparas de techo para convertirlo en arte en lámparas, en el que ninguna se repite.

¿Lámparas o esculturas? Esculturas convertidas en lámparas, sin ninguna duda.

¿El diseño es Arte? Sí, cuando el producto diseñado y producido es una pieza única o una serie limitada de gran calidad y valor estético, es Arte. Cada pieza artística, cada obra de arte, es única y exclusiva. Asistimos al auge del Diseño – Arte, de los diseñadores – artistas que cada vez están más presentes en el punto de mira de interioristas y decoradores que cuentan con una clientela exigente que gusta de piezas originales, además de salir en prestigiosas revistas de diseño y arquitectura.


Con los diseños de Paula Arntzen la iluminación se convierte en un arte suavizada por la liviana pantalla de cintas de papeles de colores que permiten la emisión de una luz suave y matizada por dichas tonalidades creando ambientes muy peculiares.


Como cualquier artista, la diseñadora holandesa expone sus lámparas exclusivas, hechas a mano, para su venta directa. También, pueden adquirirse sus piezas en diferentes webs de diseño así como directamente contactando con ella a través del formulario de su página web.