Los diseños de Fontana Arte en iluminación

La prestigiosa, internacional  y consolidada marca italiana combina los avances de la innovación tecnológica en iluminación con el vidrio y el diseño contemporáneo para crear sus lámparas y luminarias, bajo la dirección de un asesor de arte y en colaboración con importantes diseñadores de relevancia mundial.

Fontana Arte también fabrica muebles, objetos de arte, etc.; sin embargo, su mayor proyección ha sido lograda gracias a los vanguardistas complementos y accesorios para iluminación, creando importantes novedades acordes con la tendencia en diseño y estética actuales, siendo en numerosas ocasiones portada de las mejores revistas de diseño e interiorismo a nivel mundial.

La firma dispone de muchos modelos con los cables, interruptores y enchufes transparentes, logrando una mayor estética en sus lámparas.

Thor, diseñada por Luciano Pagani e Angelo Perversi

Original, elegante  y vanguardista iluminaria de sobremesa: las bases sobre las que se apoya son de metal pintado en blanco y se ha realizado con vidrio soplado. La luz, de mayor intensidad en la zona central, es más difusa hacia los extremos.

Lámpara diseñada por Andreas Engesvik para Fontana Arte

“Blom”, lámpara de mesa diseñada con el difusor de luz dentro de polietileno opalino blanco, mientras la base y el exterior en forma de pétalos minimalistas son de policarbonato fabricados en diferentes colores. La intensidad de la luz puede regularse moviendo las dos estructuras que representan los pétalos.

Modelo “Albedo”, diseñada por Studio Drift

Albedo es una lámpara de techo cuyo difusor es de tela lavable en lavadora y está suspendida por cables de acero. Emite una luz difusa. La sensación que produce es de levedad a la vez que aporta un punto no exento de cierto romanticismo.

Los diseñadores que crean para Fontana Arte gozan de gran prestigio, habiendo participado en multitud de ferias internacionales de gran importancia y sus trabajos se han expuesto en importantes museos. Los creativos en diseño industrial son de vital importancia para cualquier marca que desee triunfar con sus productos, y deben incorporar a sus diseños el impacto estético adecuado que busca el consumidor actual.

Lámpara de pié, “Vértigo” diseñada por el italiano Marco Acerbis

Diseño creado con planos triangulares y muy estilizado: el hueco en la zona superior que forma el triángulo irregular rompe la verticalidad a la vez que dota a la lámpara de  un cierto dinamismo. “Vértigo” es una escultura realizada en aluminio que emite una luz indirecta con dimer (este controla la intensidad de la luz) y fue merecedora, en el año 2007, del Premio Design China – Best.

Formas nuevas que nada tienen en común con las lámparas de hace un par de décadas. Los diseñadores actuales son verdaderos artistas que, implicados en el diseño industrial, revolucionan el sector de la iluminación empleando nuevos materiales dotándolos de una forma más próxima a la escultura que a la manida lámpara tradicional, introduciendo componentes artísticos en las piezas con materiales de primera calidad y los últimos avances tecnológicos: belleza, funcionalidad y confort visual.

Creativos cualificados técnicamente en diseño industrial, capaces de incluir sus ideas estéticas o artísticas en los complementos que van a diseñar introduciendo sustanciales mejoras en nuestros hogares, oficinas, comercios, empresas, etc., gracias a la belleza de los productos finales que se convierten en el foco de atención por el esmerado diseño y el atractivo y moderno impacto visual que proyectan.

O Grove, turismo cultural en España

Seguramente muchos de ustedes han pensado en viajar hasta Galicia; en concreto elegir como destino de su viaje la zona de la conocidísima Ría de Arousa. Y siendo más preciso hacer que el Gran Hotel de la Toja sea su remanso de paz, tranquilidad y bienestar.

El magnífico Hotel de la isla de La Toja

A la entrada de la ría de Arousa, nos encontramos con O Grove, una pequeña península (que en su origen fue isla) sita en la boca de la ría de Arousa. Aquí se fusionan diferentes conceptos con un resultado final fantástico. Aguas termales, pesca, marisco, conservas, carnes, playa. Esto sólo es una pequeña parte y un fiel exponente de lo que nos podemos encontrar en Galicia. Y en este punto toma carta de naturaleza el Gran Hotel La Toja.

Evidentemente todos sabemos que se trata de un hotel de cinco estrellas. Pero la pregunta es la siguiente: ¿acaso la salud no es lo más importante?

Balneario del Gran Hotel La Toja

Hay ocasiones a lo largo de la vida en que un merecido descanso en un entorno mágico, bien merece la pena.

En O Grove, mejor dicho en Concello do Grove, nos encontramos con el Gran Hotel la Toja. Cuando la salud es lo primero, el lujo y la exclusividad parece que pasan a un segundo plano. Pero lo cierto es que las instalaciones (como el magnífico balneario de 5 estrellas), la atención personalizada y profesional, así como la amabilidad de su equipo de trabajo son las verdaderas razones que dan categoría y exquisitez a este complejo ubicado en la Isla de La Toja.

La isla termal de La Toja

Las aguas medicinales, unidas al maravilloso paisaje marino, hacen de este enclave un auténtico paraíso al que acudir al menos una vez en la vida, para disfrutar y regenerar cuerpo y espíritu. Los especialistas afirman que son muy recomendables para tratamientos dermatológicos, afecciones respiratorias, reumatismos; así como para personas amantes de los deportes por sus cualidades reparadoras. En fin, relax total.

Si a ello unimos todo lo que significan estas dos palabras: “gastronomía gallega”, entenderán que estos pagos son destino obligatorio.

Por otra parte, no hay que olvidarse de la cultura. La salud sin cultura es menos salud. Mencionar la Galería de Arte Besada: inaugurada hace poco más de dos años se ubica en la Calle Concepción Arenal; calle que toma nombre de esta ilustre intelectual gallega, conocida por sus relatos de corte realista y por ser impulsora de los gérmenes del movimiento feminista.

Dirigida y gestionada por Carlos Álvarez Besada, tuvo un nacimiento fulgurante debido en gran parte a la presentación que Besada hizo al conseguir la obra de Picasso “Sin título”, una acuarela de estilo colorista, que tuvo una gran repercusión. Besada siempre ha comentado que, aparte de dar salida a pintores noveles, quiere hacer llegar al público en general las obras de grandes artistas nacionales e internacionales, contemporáneos o fallecidos.

Aspecto de la exposición fotográfica colectiva "Territorios"

Hasta el 7 de febrero pudo disfrutarse en la Galería de Arte Besada de la muestra colectiva “Territorios” en la que participaron los fotógrafos Ana Basdediós, Lucía Baúlo, Araceli Besada, Nirioxis Rodríguez, Mónica Iglesias, Diego Álvarez, Virginia González, Annabel Lee y Mecky Maceiras con más de cien obras y, durante la cual, se realizó un taller de iniciación a la fotografía.

Es digno poner de manifiesto este tipo de iniciativas. Apostar por la cultura es tomar una decisión difícil y arriesgada, pero Besada ha conseguido dar un gran empuje a este municipio  pontevedrés. 

Datos de interés:

Concello do Grove. 

Plaza de O Corgo, 1. O Grove, Pontevedra (España)

Gran Hotel La Toja

Isla de La Toja.  Pontevedra (España)

La Galería de Arte Besada.

Concepción Arenal, 1B. O Grove, Pontevedra (España)

PAC lleva el arte reciclado al Hostel The Hat

La Plataforma de Arte Contemporáneo (PAC) inicia un nuevo proyecto expositivo, Hostel Art,  en el madrileño Hostel The Hat (sito en la calle Imperial, 9) que se desarrollará desde el 26 de febrero hasta el 19 de marzo y mostrará las obras de varios artistas emergentes bajo el doble espíritu del reciclaje y los viajes.

Una de las obras que veremos en Hostel Art 2015

Viajar es conocer. Y el mundo de los viajes y el turismo cultural han evolucionado con la aparición de las nuevas tecnologías, con el devenir de las últimas tendencias y los nuevos movimientos sociales.

Así, también ha cambiado el concepto de alojamiento, y ello porque los nuevos viajeros son personas dinámicas, generalmente amantes de las nuevas herramientas informáticas, con un nuevo espíritu en el que priman las interrelaciones, el ecologismo, la regeneración de los materiales. Una nueva conciencia social en aras de un sistema en el que toma gran importancia la biosostenibilidad.

Aparece un nuevo concepto “Hostel”. El hotel clásico da a paso un tipo de alojamiento en el que priman los espacios compartidos en busca de que los viajeros puedan conocerse y compartir. Se trata de que el concepto “conocer” se manifieste plenamente. Todo ello bajo la premisa de precios asequibles.

El madrileño Hostel The Hat se guía por estas premisas. En él se conjugan libertad y servicio. Todo está enfocado a que el viajero se encuentre con otros viajeros: terraza en el tejado, conexión dual wifi, etc. Aunque se trata de compartir, también tiene habitaciones privadas, o exclusivas para grupos y para mujeres.

Aspecto de la terraza del Hostel The Hat

Uno de los dormitorios

El Hostel The Hat ha compaginado diseño y reciclaje en su estructuración arquitectónica.

Así, la PAC (Plataforma de Arte Contemporáneo) nos acerca su apuesta “HOSTEL ART”, en el transcurso de lo que se viene conociendo como la semana grande cultural de Madrid, ( coincidiendo en la capital de España durante este período de tiempo ferias como la siempre sorprendente Arco, del veinticinco  de febrero al uno de marzo; o ArtMadrid, que da lugar a la décima feria de arte contemporáneo en las mismas fechas que Arco celebrándose en la Galería de Cristal de Centro Madrid Cibeles; y también JustMad International Contemporary Art Fair, (Colegio Oficial de Arquitectos de Madrid, COAM. Calle Hortaleza, 63), la hermana pequeña de Arco, pero más barata, y no menos interesante. Amén de numerosas muestras expositivas para hacernos llegar lo más actual del arte contemporáneo. 

El próximo veintiséis de febrero, con patrocinio de Absolut y Paredes (calzado), a las veinte treinta horas se abrirán las puertas del Hostel The Hat para ofrecernos una muestra colectiva que agrupa a catorce artistas.

Los participantes en la muestra son: la viguesa Carla Andrade. Aner. La ilustradora y pintora madrileña Coco Dávez. David Delgado Ruiz DDR, ilustrador, fotógrafo y pintor madrileño. E1000, conocido artista urbano por sus murales en permanente búsqueda de la luz, que ha pasado a reciclar materiales para dar cuerpo a sus nuevas composiciones. Ignacio García Sánchez, dibujante madrileño afincado en Berlín, que también trabaja la escultura. Kaufman. Rebeca Khamlichi, hija de pintores, se apoya en los iconos religiosos que suma las raíces castellanas con la cultura árabe. El también madrileño licenciado en Bellas Artes Roberto López Martín, artista gráfico global. Antonyo Marest, impertérrito viajero, diseñador y artista multidisciplinar inquieto, vanguardista y en permanente búsqueda de materiales creativos. Fernando Maselli, fotógrafo bonaerense afincado en Madrid. Carlos Maté, artista que ha forjado sus primeros pasos en el diseño y la decoración, buscando una fusión mayor a partir de arte y el propio diseño. Clara Sánchez Sala, sus fotografías y pinturas dan cuerpo a su idea constante de representar lo percibido y lo que realmente es. Y, por último, Julio Sarramián, artista riojano, licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Salamanca. 

Un completo reflejo de la tendencia artística actual basado en formatos fotográficos, pictóricos, escultóricos, etc., que abren ante nuestros ojos las nuevas corrientes artísticas contemporáneas.

Lujo en teléfonos móviles

Todos, o la gran mayoría de los mortales, tenemos el afán, y me incluyo porque yo también pertenezco a esta rara especie que es el género humano, de destacar o sobresalir para diferenciarnos de los demás.

Buscamos ropas diferentes, diseñadores de moda, un modelo de coche de edición limitada, muebles de diseño; acudimos a los bares más “in”, a los restaurantes con las comidas más raras y sofisticadas. Hacemos un sinfín de cosas con el permanente ánimo de diferenciarnos los unos de los otros. 

En un mundo global, seguimos buscando nuestra propia individualidad a través de miles de artimañas y comportamientos.

Pues les voy a dar unas ideas para que sigan buscando la eterna diferenciación.

Hay que aprenderse varios nombres. Por ejemplo, y para ir abriendo boca, les citaré los siguientes: Celsius X.VI.II, Continental Mobiles, GoldWish, Gresso, Mobiado, Savelli Genève, Ulysse Nardin, Vertu. Y también estos otros nombre más conocidos como, por ejemplo, TAG Heuer, Prada, Dolce & Gabbana.

GoldWish, un móvil de lujo

Todos ellos fabrican teléfonos móviles de lujo. Dispositivos que alcanzan precios que rondan los doscientos cincuenta mil euros (250.000 €), aunque también los hay más económicos y parten de unos “módicos” mil quinientos euros (1.500 €).  Hubo un modelo de GoldVish que se vendió por un millón de euros (1.000.000 €). Y existe un iPhone 5 “Black Diamond” cuyo precio se eleva a los once millones de euros (11.000.000 €).

Teléfono Móvil IPhone 5 Black Diamond. Fabricado con oro y diamantes.

Teléfonos que se ensamblan artesanalmente, con materiales tan tecnológicos como titanio, fibra de carbono; o bien se emplean materiales clásicos de joyería como son el oro, piedras preciosas (diamantes, rubíes); materiales exóticos como el ébano, etc. Las carcasas en algunos modelos son pintadas a mano. En fin, exclusividad y lujo.

Savelli Genève Ruby

También nos encontramos con fabricantes que se asocian a otras marcas más reconocibles, como las automovilísticas Aston Martin, Bentley, Ferrari, incluso a artistas de la talla de Piet Mondrian, Vincent Van Gogh, Gustav Klint.

No quiero desmerecer a las marcas tradicionales, pero esto es lujo y exclusividad.

En cuanto a referencias, páginas web, etc., colocando los nombres en los buscadores habituales de internet, se pueden encontrar más detalles, tiendas donde se pueden adquirir, tanto nacionales como internacionales, descripción de los teléfonos más peculiares. Y sin aun desean más individualidad, los fabricantes estarán encantados de personalizar el terminal que elija. 

Vemos como el mundo de la tecnología, en concreto el de las telecomunicaciones no es ajeno a los lujos y a los caprichos. Vivimos en un mundo … vivimos en este mundo, que es igual que todos los mundos que nos han precedido. Siempre, en todo momento y en todo lugar el ser humano se ha caracterizado por querer ser más que el prójimo. Esto tiene sus dos vertientes.

Querer ser más hace que el ingenio se agudice y crezcamos, nos desarrollemos personal e intelectualmente, llegando a logros positivos para nosotros mismos y para nuestros congéneres. Esto es clase, lujo y exclusividad.

Y la vertiente oscura. Alardear de ostentación, con el propósito de hacer de menos a los demás. Esta perspectiva es la que nos lleva a la falacia y a la destrucción. Esto se denomina complejo de inferioridad.

Anna-Wili Highfield, esculturas ecológicas o arte en papel

Inspirada en la belleza de la vida animal, la escultora australiana emplea uno de los materiales más humildes para inmortalizar la fuerza y majestuosidad de la fauna con sus esculturas orgánicas y ecológicas. Arte muy actual, en papel en forma de esculturas que la artista Anna-Wili Highfield, natural y residente en Sydney, crea diseñando previamente el armazón, con tubos de cobre, que constituye el esqueleto que dará apoyo a los papeles (pintados) con los que crea sus esculturas.

Tubos de cobre, papeles pintados, diseño y creación con un lenguaje propio en cuya técnica sobran las gubias, formones, martillos, mazas, piedras, mármoles y todo aquello que se considera tradicional en la técnica de la escultura.

Simplemente papeles de algodón, pintados por ella misma, que va uniendo con finos cordones para dar forma a las diferentes especies de animales, como el jaguar de la imagen inferior, perfecto en su simplicidad y de una elegancia que cautiva.

Jaguar de Anna-Wili Highfield. Fotografía de Petrina Tinslay

Los cortes del papel son rasgados, permitiendo ver el papel en bruto a la vez que sirve como “efecto de textura” óptico, creando una mayor riqueza compositiva a la escultura.

Trabajadas artesanalmente, observamos perfectamente que el papel ha sido cortado cuidadosamente a mano, en oblicuo, ofreciéndonos en sus extremos ambas caras del mismo. En unas zonas la artista gira y pliega las hojas dando mayor realce a determinadas partes de su composición: sencilla y compleja a la vez.

Lorikeet. Fotografía de Silversalt photography

Pequeño ave en pleno vuelo que nos permite ver la técnica empleada: la artista rasga los folios pintados, a mano, y los trozos irregulares y espontáneos obtenidos son cosidos hasta formar la escultura que tiene en mente. Vemos los nudos de los hilos formando parte de las esculturas.

La sencillez, originalidad  y la espontaneidad en la ejecución pienso que han sido claves en el éxito de la artista, cuyas obras forman parte de colecciones importantes e, incluso, pueden verse en los escaparates de Hermès, Sydney.

Sus obras en el escaparate de Hermès, Sydney.  Fotografía de Chris Lee

Frescura, belleza, fuerza, elegancia. Materiales ecológicos  y contemporaneidad para acompañar y dar una imagen más atractiva y moderna a los productos de los grandes almacenes Hermès.

Canguros. Fotografía de Petrina Tinslay

Conjunto de canguros: apenas  papel y mucha originalidad son los materiales con los que la escultora ha diseñado las tres figuras, ofreciéndonos varios estudios de la fisionomía del bello animal, el más característico de Australia.

Detalle de un canguro: escultura sin esculpir. 

Su éxito nos demuestra que actualmente el arte cobra peso ante el talento independientemente de los materiales empleados. Las obras de la artista australiana son innovadoras, nos causan la impresión de una ejecución rápida sin acabados relamidos. 

La espontaneidad de sus creaciones es una medida de la sinceridad de la artista. Obras que nos permiten ver su interior, como bocetos de imágenes que nuestra mente debe completar.

El arte está cambiando. Los coleccionistas evolucionan hacia la preferencia por el talento que se manifiesta en obras realizadas con gran soltura, que miran al futuro sin asfixiarse ni amanerarse en las técnicas del pasado. 

El arte actual debe innovar, demostrar que se gesta en el siglo XXI con los valores positivos de nuestro tiempo: materiales reciclables, ecológicos; originalidad en el estilo y técnica empleados, talento y autenticidad.

Y, como siempre, no tratar de imitar las piezas de los clásicos porque estos tuvieron su tiempo. El éxito se encuentra en el otro extremo: donde existe la libertad para crear sin dogmas técnicos o estilísticos ni academicismos hace tiempo muertos.

El pensamiento creador

Para crear es imprescindible pensar; el pensamiento humano oscila constantemente entre lo que denominamos realismo e imaginación.

Básicamente, podemos diferenciar tres tipos de imaginación:

. La imaginación práctica: es aquella que nos permite resolver originalmente un problema.

. La imaginación lingüística (o verbal): es la originalidad al dar una conferencia, escribir un libro, etc.

. La imaginación creadora: es la actitud para combinar imágenes, que aun imitando los hechos de la naturaleza, no representan nada real (André Lalande).

La imaginación creadora:

Surge cuando el individuo rompe los hábitos del pensamiento para resolver un problema y descubre una solución novedosa.

Sin embargo, los hábitos del pensamiento están influenciados negativamente por el  shifting y por la fijación funcional:

- El Sihfting demuestra experimentalmente que cuando se descubre una solución, es más difícil encontrar otra empleando un tipo diferente de razonamiento.

Este fenómeno se valora muy bien con el test de Goldstein, que consiste en mostrar al individuo piezas de diferentes colores y formas, y se le pide que las clasifique, habiendo tres opciones para realizarlo: por colores, por formas o por una combinación de ambas.

Si el sujeto logra resolverlo por formas y se le pide que lo haga siguiendo otro criterio, puede encontrar dificultades para resolverlo. Este fenómeno se conoce como Shifting: es la dificultad para pasar de un tipo de pensamiento a otro.

-  Fijación funcional: significa que si empleamos un objeto para resolver un problema concreto, cuando necesitemos emplearlo para algo diferente y nuevo nos resultará más difícil conseguirlo.

-  Algunos factores afectivos.

El test WCST mide la flexibilidad para pasar de un razonamiento a otro. Fuente fotografía Psy3242

Etapas del pensamiento creador:

- Preparación: 

La solución va precedida por una larga fase de aprendizaje que nos proporciona los conocimientos y datos para llegar a la solución del problema. Los elementos se organizarán de manera inconsciente.

- Incubación:

Es la maduración en el aprendizaje, la etapa se desarolla en forma de mesetas.

- Inspiración:

Es la denominada Intuición: el descubrimiento brusco de la solución.

El sueño favorece la intuición, así y durante el sueño, Descartes descubrió axiomas de la geometría analítica; Kekulé el hexágono bencénico y Wagner compuso durante sueños hipnagógicos el preludio del oro del Rin.

Para lograr estructurar los elementos del problema, se requiere tanto de la parte imaginativa como de la realista: durante el sueño, el estado de disolución relativa de la conciencia favorece la intuición, siempre y cuando las etapas de preparación e incubación se hayan elaborado adecuadamente.

- Verificación:

En esta etapa, se determina la cualidad de la solución hallada. 

Si se trata de la solución de un problema práctico, la verificación será de tipo objetivo y consistente en comprobar su eficacia.

En el pensamiento científico (como el de las matemáticas) los principios de la lógica permiten afirmar la verificación de la consistencia interna.

En el pensamiento artístico, la verificación es interna y subjetiva y depende de la estructura de las emociones expresadas.

Imaginación y pensamiento creador:

Según Thurstone, hay diferencias cualitativas en el nivel de pensamiento creador y en la forma que adoptará, dependiendo estas del tipo general de personalidad.

El pensamiento creador surge cuando existe equilibrio entre receptividad y capacidad crítica:

. Receptividad: al sujeto receptivo le agradan las ideas nuevas e intenta demostrarlas; la novedad le hace desear que la nueva propuesta sea cierta.

. Capacidad crítica: el individuo hipercrítico necesita demostrar que toda hipótesis es falsa.

Del arte a las joyas de autor, Jennifer Maestre

La artista Jennifer Maestre, mundialmente conocida por sus originales y cotizadas esculturas realizadas con lápices de colores, es uno de esos ejemplos actuales de artistas plásticos que dan un paso más y también logran abrirse paso en un mercado paralelo, la joyería de autor, manteniendo la fidelidad con el estilo que les dio renombre en el arte, empero, adaptándolo a las exigencias de un nuevo formato: la joya de autor.

Joyas de autor y bisutería de alta gama de un gran atractivo en la tendencia actual de joyería, todas ellas artesanales, piezas únicas y que pueden permitirse todos los bolsillos (en cambio, sus esculturas rondan la cantidad de 6.000 €).

De una originalidad indudable, todas las piezas están realizadas con lápices de colores. Por otro lado, las joyas son reversibles y la cohesión de las secciones de los lapiceros la logra empleando epoxi.

El lápiz es su sello, es su marca, tanto en joyería como en escultura.

Colgante hecho a mano: lapiceros de colores, epoxi y plata de ley

Tenga en cuenta que la pieza no está pintada, no hay colorante alguno: lo que observamos son secciones de lapiceros auténticos, con sus propios colores y la madera de los mismos.

Pendientes artesanales: lapiceros, epoxi, plata de ley y bolas de oro macizo

Fue en el año 2005 cuando la artista comenzó a investigar, desarrollar, diseñar y realizar sus piezas de joyería; dos años más tarde, empezó a comercializarlas online alcanzando un gran éxito. Las piezas, básicamente, con collages realizados con fragmentos de lapiceros y una elevada dosis de creatividad y gusto exquisito.

Broche inspirado en una casa, diseñado por Maestre

Perteneciente a una serie inspirada en casas, el broche nos permite apreciar que los lapiceros han sido cortados con diferentes ángulos, desde el perpendicular al eje mayor a otros más oblicuos, hasta llegar al corte longitudinal de los diferentes lapiceros. La tipografía, aplicada en oro.

Piezas singulares creadas por una atípica escultora, cuyo colorido natural no resta un ápice de elegancia. Pequeñas obras de arte que la mujer puede lucir con la seguridad de tratarse de una pieza exclusiva. Estas joyas - esculturas de Jennifer Maestre pueden adquirirse a través de la página web. Sin ninguna duda, un lujo a su alcance firmado por una gran artista.

Pero, ¿cómo empezó Maestre?

Su fuerte atracción por los erizos fue lo que le llevó a desarrollar, en 1999, unas innovadoras esculturas con un material completamente atípico: lápices de colores. Sus diseños, destinados a atrapar sentimientos opuestos de "atracción – repulsión", "fortaleza – debilidad", dieron como resultado unas esculturas orgánicas que la mayoría de nosotros ya conocemos.

"Electra", escultura de Jennifer Maestre. Colección Faber-Castell

Su técnica consiste en cortar cientos de lapiceros dejándolos a un tamaño de poco más de dos centímetros. En la base, los perfora haciendo un pequeño orificio por los que pasará el hilo para ir uniendo los diferentes lápices, como si de abalorios se tratara. En concreto, la escultora emplea el punto peyote tradicional africano.

Las obras de Maestre, todas piezas únicas, le han dado una fama muy merecida y, de momento, parece que pasará a la posteridad como la escultora de los lápices de colores. 

Sin embargo, la revolución que ha sido capaz de generar en el mundo de la joyería y bisutería de alta gama da fe de que estamos ante una artista de gran creatividad y versatilidad dispuesta a abrir mercados nuevos para llegar con sus creaciones a todo el mundo.

Muebles de diseño para animales domésticos

Que los animales de compañía son miembros de la familia es algo que apenas duda nadie. Y mucho menos, cuando sus dueños o cuidadores son personas responsables y conscientes de que se trata de animales capaces de sentir y demostrar afecto, además de lealtad y un sinfín de cualidades en las que no voy a entrar ya que, si usted está leyendo esto, conoce todas las virtudes de nuestros fieles y adorables amigos de cuatro patas.

Cada vez más, diseñadores e interioristas se ocupan de que nuestro hogar sea lo más confortable y agradable posible. Pero, ¿cómo integrar los pequeños muebles y accesorios o complementos de nuestras mascotas en nuestra vivienda, manteniendo el equilibrio estético a la vez que el confort de ellos? En Florida (Estados Unidos) Pet Lounge Studio diseña y fabrica mobiliario de alta gama para mascotas, con materiales de primera calidad, ecológicos y reciclables: como el bambú. Diseños muy cuidados para fabricar muebles con una gran estética y elegancia.

Diseño de Corey Drew para Pet Lounge Studio

Pep Lounge Studio trabaja la mayoría de las estructuras de los diferentes tipos de pequeños mobiliarios y complementos con bambú, planta de rápido crecimiento y reciclable, que ofrece un acabado de gran elegancia y ligereza sin mermar la estabilidad. 

Otros accesorios son fabricados con madera de acacia, también de crecimiento rápido y muy resistente al contacto con el agua. Bambú y acacia ofrecen una gran resistencia frente a la humedad y las manchas.

Diseñado por Corey Drew para Pet Lounge Studio

Los cojines y colchones para las camas y hamacas se realizan con una espuma de poliuretano de última generación que fue desarrollada por la NASA para suavizar la presión a la que estaban sometidos los astronautas cuando se producía el despegue. De esta innovación surgió el conocido colchón Tempur, cuyo material, al contacto con el calor del cuerpo, se deforma.

La concienciación ecológica también forma parte del diseño y fabricación de Pet Lounge Studio: comprar en fábricas restos sobrantes de este material y colchones tipo Tempur ya desechados por el uso y los reciclan para fabricar los colchones y cojines de los muebles. Muy sensibilizados con la comodidad y, especialmente, con las patologías tipo artritis de los animales domésticos de más edad, las camas y hamacas son ortopédicas promoviendo el máximo bienestar a nuestras mascotas.

La confección de los colchones, etc., se realiza empleando tejidos hipoalergénicos y muy duraderos, de gran resistencia a las manchas y de fácil limpieza. Este tejido exterior está revestido interiormente por otra capa que impide el filtrado hacia el interior de la orina, en el caso de que el animal se orine.

Cómodos, saludables, estéticos, funcionales: así son los complementos de Pet Lounge Studio que se fabrican en gran diversidad de colores y tamaños, para integrarlos más adecuadamente dependiendo del tamaño de nuestros compañeros así como de las necesidades estéticas  de la estancia elegida para su colocación.

Comedero- bebedero de diseño para mascotas

Incrustados en una caja de madera de bambú (de gran impermeabilidad al agua y a las manchas), los recipientes son de acero inoxidable pulido.

Este accesorio, al mantener los cuencos de comida y agua elevados, hace más cómoda la ingesta a nuestras mascotas a la vez que proporciona una mayor higiene.

Por otro lado, se trata de un complemento que se integra perfectamente en nuestro hogar, añadiendo un plus estético.

Convocado el XXV Certamen de Artes Plásticas de la UNED

Nueva edición del prestigioso Concurso de Artes Plásticas convocado por la UNED, en el que pueden participar todos los artistas plásticos que residan en España con una única obra bidimensional (pintura, fotografía, collage, etc.) y cuyo precio no debe superar los 3.000 €.

Nuevamente, la UNED (Universidad Nacional de Educación a Distancia) continúa ejerciendo su importante labor de mecenazgo con su continuado apoyo al sector artístico, contribuyendo con la adquisición de las obras a  incentivar el trabajo de los artistas plásticos, por la dotación económica y el reconocimiento artístico que el premio implica.

Las obras deben enviarse físicamente del 16 al 20 de marzo de 2015 para ser evaluadas por el jurado. Los trabajos seleccionados serán expuestos, del 17 al 30 de junio, en La Sala de Exposiciones de la CCM (Centro Cultural de la Fundación Caja Castilla-La Mancha) en Cuenca

Bases del Concurso de Artes Plásticas de la UNED 2015

En el XXIV Concurso de Artes Plásticas se adquirieron dos fotografías:

"En ningún lugar. 28 de Julio de 2012" del fotógrafo Llorenç Uga Dubreuil, Premio Adquisición en la edición del 2014:

Fotografía premiada en 2014 de Llorenç Uga Dubreuil. Colección de La UNED.

La obra pertenece a la serie fotográfica “En ningún lugar”, documento gráfico del estado en que quedó, semanas después, la zona del Empordà tras sufrir un incendio por un cigarrillo mal apagado provocando un gran desastre humano y natural en la zona.

Llorenç Uga acudió al lugar siniestrado tras ver las imágenes en los diferentes medios de comunicación. Lo que el fotógrafo encontró fue el sobrecogedor vacío y silencio del bosque calcinado. Tomó diferentes fotografías con su teléfono, quedando registradas con la longitud y latitud del lugar, posteriormente, y con la ayuda de una aplicación de Google Earth, pudo documentar el lugar exacto en que tomó cada fotografía. Pudo ver el antes y el después. Mostrar que donde había un paisaje vivo, tras la acción devastadora del incendio, quedó nada; ese lugar, tal como era, ya no existe: está en ningún lugar.

“Atelier VI”, de la fotógrafa Soledad Córdoba, fue el segundo premio adquisición  en la pasada convocatoria:

Fotografía premiada en 2014 de Soledad Córdoba. Colección de La UNED.

La fotógrafa avilesina presentó esta obra perteneciente a su serie “Limbo”, proyecto de estudio que explora los límites de la realidad introduciendo elementos, objetos y conexiones de fuerte carga emocional y onírica para la creadora.

Soledad Córdoba retrata su estudio de París en el que introduce árboles y ramas secas: naturaleza muerta. En la foto premiada apreciamos un contraste fortísimo entre el iluminado y blanco estudio, interior de una construcción humana, con los árboles despojados de hojas y de raíces, como cadáveres de la madre tierra atrapados en una cárcel de luz.

Interior sin vida y sin oxígeno, frío y aséptico. Atelier VI simboliza el temor a no poder seguir creciendo, a vivir en un espacio asfixiante, estéril hace mucho tiempo. Su estudio se convierte en un féretro blanco para enterrar la infancia que se ha extinguido, las ilusiones imposibles, las utopías de la fantasía. 

Como la luna, que al carecer de oxígeno hace imposible la vida siendo inútil la luz del sol, la fotógrafa nos muestra un interior absolutamente inhabitable donde no son posibles el crecimiento de la vida ni la creación de nuevas ideas.

También, por qué no, la artificialidad y ceguera de la sociedad urbana puede estar representada invadiendo y destruyendo el medio natural que hace posible nuestra existencia.