Arte diseñado con aluminio o Seung Mo Park

Este extraordinario artista surcoreano vive a caballo entre Seúl y Nueva York. Su pasión, la escultura: esculturas que elevan el arte y diseño actuales a la categoría de metafísica debido a lo peculiar de su génesis.

Seung Mo Park trabaja con mallas de acero o, generalmente, de aluminio. En sus diseños artísticos utiliza múltiples capas de malla aplicando la técnica de sustracción, hasta lograr esculturas hiperrealistas de una sutileza y belleza nada comunes.

Park posando detrás de una de sus impresionantes obras

La distancia que hay entre los dos átomos más próximos de la punta de mi bolígrafo es, proporcionalmente, mayor que la distancia que separa la luna del sol. Es por ello que he afirmado que sus esculturas rayan lo metafísico.

No son sólidas, como no lo es la realidad. El vacío del entramado de las mallas se superpone a otras capas, con las mismas características, hasta lograr el efecto de densidad o levedad deseada; las luces, las sombras, el alma !

Belleza y originalidad son el sello de sus creaciones

Seung Mo Park ha empleado una técnica artística de vanguardia para crear obras de indudable belleza, fuertes y sutiles a la vez. Pura creación de este artista y diseñador de una nueva concepción del arte escultórico.

¿Qué es la genialidad? Quizá alguien pueda pintarla, no lo dudo. Sin embargo, Park la ha creado empleando un método nuevo que muchos han intentado imitar posteriormente. Si, los genios crean, el resto de los mortales, imitan. Y esta afirmación es tan cierta como lo es que sus esculturas viven y palpitan.

Otro bajorrelieve fruto de sus investigaciones con mallas de aluminio

Las zonas de mayor densidad de la obra (cabeza, manos) tienen varios centímetros de espesor contrastando con la baja densidad del resto de la obra que se difumina casi vaporosamente.

Una de sus impactantes obras en una exposición

Diseños etéreos: el artista realiza cortes transversales para devolver una intensa luminosidad. Solo Park puede difuminar de esta manera con aluminio hasta lograr una figura ingrávida que nos enamora y atrapa.

Uno de los magníficos retratos de Seung Mo Park

Excelente retrato en el que se aprecia perfectamente la genialidad de su técnica. Colosal bajorrelieve creado con simple aluminio: método que el artista ha elevado al rango de Arte.

Detalle de los cortes en las mallas para lograr las zonas de mayor luminosidad

Bajorrelieves y esculturas exentas de Park

En la foto superior podemos admirar algunas de sus obras en El Festival Bushwick Estudios Abiertos: junto a sus creaciones a base de mallas vemos esculturas sólidas, cuyo autor también es Park, fruto de investigaciones posteriores. 

Las esculturas exentas de Seung Mo Park son creadas a partir del diseño de una base de fibra de vidrio, que posteriormente “viste” con filamentos de alambre de aluminio hasta lograr el resultado deseado.

Park continúa investigando y creando. Su trayectoria ya es dilatada así como sus reconocimientos. Sus conocimientos del acero, del aluminio, de la refracción y dispersión de la luz al incidir en estos materiales y empleando luces de diferentes colores, aluminio pintado, su curiosidad innata, su pensamiento creador y vocación genuina han dado unos frutos, a la vista, muy positivos. Pero no olvidemos que los creadores plásticos dan sus mejores obras en una etapa avanzada de la vida por lo que es de esperar que este gran escultor nos sorprenda con algo inesperado y de gran valor creativo. No lo pierdan de vista !

Las esculturas orgánicas recicladas de Alison Sigethy

Recicladas, artesanales, bellas, dinámicas, actuales, personalizables, etc., así son las esculturas que la artista Alison Sigethy diseña para interpretar con materiales desechados un trozo de mar vivo, naturaleza cambiante o, simplemente, naturaleza que emplea incluso como Arte Terapia, estando sus esculturas presentes en algunos hospitales y cuya finalidad es que los pacientes se mantengan en contacto con la naturaleza.

Arte ecológico a partir de vidrio reciclado (que ella tritura y forma una pasta de vidrio para dotarle de una nueva forma), vidrio y metal reciclados, fragmentos de la naturaleza caídos de forma natural y recuperados por la artista para crear sus magníficas Criaturas de bosques.

Escultura de Alison Sigethy, las estructuras de vidrio han sido pintadas a mano

Apasionada del mar y sus organismos, interpreta la vida contenida en tubos de vidrio inspirados en las muestras que toman los científicos para el estudio de los mares. 

La artista bautiza esta colección como Mar Cores, siendo cada pieza totalmente personalizable desde el tamaño hasta los diferentes colores: las esculturas cilíndricas emiten una hermosísima luz a lo que hay que añadir el relajante sonido y el movimiento de las burbujas de oxígeno.

Todas son piezas únicas y se envían a cualquier rincón del planeta.

Mar Cores: Agua, vidrio, pintura, luz e inspiración en la naturaleza tropical

La escultora trasmuta el vidrio (material inerte e inorgánico) en formas que recuerdan diversos seres orgánicos, tanto acuáticos como terrestres.

Como el  cilindro de vidrio (Centro de Mar tropical) de la foto superior: contiene estructuras que recuerdan la flora marina, creadas a mano por la escultora con diferentes vidrios también pintados a mano. Fósiles, plantas y diferentes organismos del océano son recreados artísticamente por Alison y sumergidos en el agua destilada rindiendo su personal homenaje a los fondos marinos de diversas zonas del planeta; además, el movimiento del agua y la iluminación de la pieza la dota de un suave dinamismo.

Alison Sigethy ha sido seleccionada para mostrar sus esculturas de vidrio en el 3º Festival Anual ArtFields a celebrar en Carolina del Sur, desde el próximo día 24 de abril hasta el 2 de mayo, donde exhibirá una de sus piezas de la serie Centros de Mar para disfrute de todos los asistentes.

También, como persona comprometida con la ecología y el arte sostenible, ha participado en la muestra “América recicla” en Estados Unidos.

Pequeñas esculturas - joyas creadas por la artista residente en Virginia

Vidrios pintados por la artista, son previamente reciclados, triturados y modelados hasta lograr estas hermosas esculturas orgánicas que, en sí, constituyen pequeñas joyas que nos recuerdan la naturaleza: no en vano se denominan Sea Jewels.

El amor por la naturaleza y la belleza inherente a ella son el eje central de la creatividad de la artista estadounidense. El mar, como lugar de origen de los seres orgánicos y de la vida, es la pasión de la escultora transmitiéndonos-lo en forma de esculturas de gran valor estético y ornamental.

Sus obras están presentes en diversas colecciones tanto públicas como privadas siendo muy apreciadas por su originalidad, gran belleza y sus efectos relajantes.

Tobbe Malm o el arte escultórico con metal reciclado

Herrero, fotógrafo y escultor: estamos ante un artista muy completo. El sueco Tobbe Malm emplea piezas de acero y hierro desechados, las recicla y transforma en esculturas con alma. Las piezas básicas de su trabajo son los pernos desechados que recoge y dota de una nueva vida para instalarlas, merecidamente, en el pódium del arte.

En su taller de Oslo y empleando la forja, los pernos expuestos al fuego van siendo modelados hasta adquirir semejanza humana. Como una catarsis, estos productos de ferretería dejan de cumplir su función de sujeción de otros materiales y se transmutan en personajes que narran sus propias historias, ya humanas. En sus obras el arte habla.

Obra de metal reciclado de Tobbe Malm

En esta escultura el artista representa un niño y un adulto. Hay dos piedras: sobre una se sienta el pequeño mientras el adulto la lleva sobre su espalda. En esta singular obra, los personajes se miran directamente y se establece una comunicación entre ambos.

La obra es un gran interrogante abierto que nos ofrece múltiples interpretaciones:

- El niño puede representar la infancia libre de responsabilidades, que al crecer debe asumir y convertirse en una pesada carga.

- También, el pequeño puede simbolizar la psique inconsciente intentando acceder al consciente del individuo para hacerle comprender que asume ataduras que no le competen y le restan libertad.

Una obra abierta que nos permite proyectar diferentes preguntas y respuestas, que variarán en función del individuo que la observa, su situación vital y emocional.

Escultura con ataduras de Tobbe Malm

En esta escultura de Tobbe Malm, sentimos el dolor y abatimiento que es capaz de transmitir el perno, ya humanizado, mostrándonos las ataduras que esclavizan y anulan a la persona. La cadena, del mismo material del que está constituido el singular ser, lo aprisiona. Metáfora de que los propios miedos y temores anclados en nuestro subconsciente, tejidos por nosotros, pueden convertirse en nuestro peor enemigo. A su lado, un pequeño mira sus cadenas: el consciente del ser se siente incapaz de liberarlo, tal es el poder de nuestro subconsciente.

Pareja, obra de Tobbe Malm

El amor, rezumando una gran delicadeza, es palpable en estos dos trozos de metal que el escultor nos muestra de una manera sencilla y magistral.

Nunca un perno fue capaz de transmitir tanta ternura: el más alto (la figura masculina) acaricia realmente con su cabeza a la de la mujer.

La maestría del escultor sueco es digna de reseñar. En ninguna de sus obras hay ningún atributo diferenciador de género, así como no hay rostros, ni brazos, etc., sin embargo, al contemplarlas sentimos el amor reposado de la pareja y la identificamos como tal.

Obra reciclada de metal

El final trágico: la guerra. El final: la partida. El final: el descanso tras la batalla de la vida. Muere el hombre, pero el metal sobrevive gracias al arte reciclado de Tobbe Malm legándonos su mensaje. El pequeño perno en el pecho puede simbolizar el alma liberada o la inmortalidad.

Fósiles, escultura de metal reciclado

En su serie Fósiles, el artista protege diferentes peces en un yacimiento de metal, donde los preserva a modo de grabado y en posición vertical ascendente: parecen vivir y dirigirse hacia la superficie; el escultor ha grabado burbujas de aire en la parte superior, quizá el último aliento, quizá el aire disuelto en el metal necesario para continuar viviendo, renacer o reciclarse, y no convertirse en petróleo (destino final de toda la materia orgánica).

Anna-Wili Highfield, esculturas ecológicas o arte en papel

Inspirada en la belleza de la vida animal, la escultora australiana emplea uno de los materiales más humildes para inmortalizar la fuerza y majestuosidad de la fauna con sus esculturas orgánicas y ecológicas. Arte muy actual, en papel en forma de esculturas que la artista Anna-Wili Highfield, natural y residente en Sydney, crea diseñando previamente el armazón, con tubos de cobre, que constituye el esqueleto que dará apoyo a los papeles (pintados) con los que crea sus esculturas.

Tubos de cobre, papeles pintados, diseño y creación con un lenguaje propio en cuya técnica sobran las gubias, formones, martillos, mazas, piedras, mármoles y todo aquello que se considera tradicional en la técnica de la escultura.

Simplemente papeles de algodón, pintados por ella misma, que va uniendo con finos cordones para dar forma a las diferentes especies de animales, como el jaguar de la imagen inferior, perfecto en su simplicidad y de una elegancia que cautiva.

Jaguar de Anna-Wili Highfield. Fotografía de Petrina Tinslay

Los cortes del papel son rasgados, permitiendo ver el papel en bruto a la vez que sirve como “efecto de textura” óptico, creando una mayor riqueza compositiva a la escultura.

Trabajadas artesanalmente, observamos perfectamente que el papel ha sido cortado cuidadosamente a mano, en oblicuo, ofreciéndonos en sus extremos ambas caras del mismo. En unas zonas la artista gira y pliega las hojas dando mayor realce a determinadas partes de su composición: sencilla y compleja a la vez.

Lorikeet. Fotografía de Silversalt photography

Pequeño ave en pleno vuelo que nos permite ver la técnica empleada: la artista rasga los folios pintados, a mano, y los trozos irregulares y espontáneos obtenidos son cosidos hasta formar la escultura que tiene en mente. Vemos los nudos de los hilos formando parte de las esculturas.

La sencillez, originalidad  y la espontaneidad en la ejecución pienso que han sido claves en el éxito de la artista, cuyas obras forman parte de colecciones importantes e, incluso, pueden verse en los escaparates de Hermès, Sydney.

Sus obras en el escaparate de Hermès, Sydney.  Fotografía de Chris Lee

Frescura, belleza, fuerza, elegancia. Materiales ecológicos  y contemporaneidad para acompañar y dar una imagen más atractiva y moderna a los productos de los grandes almacenes Hermès.

Canguros. Fotografía de Petrina Tinslay

Conjunto de canguros: apenas  papel y mucha originalidad son los materiales con los que la escultora ha diseñado las tres figuras, ofreciéndonos varios estudios de la fisionomía del bello animal, el más característico de Australia.

Detalle de un canguro: escultura sin esculpir. 

Su éxito nos demuestra que actualmente el arte cobra peso ante el talento independientemente de los materiales empleados. Las obras de la artista australiana son innovadoras, nos causan la impresión de una ejecución rápida sin acabados relamidos. 

La espontaneidad de sus creaciones es una medida de la sinceridad de la artista. Obras que nos permiten ver su interior, como bocetos de imágenes que nuestra mente debe completar.

El arte está cambiando. Los coleccionistas evolucionan hacia la preferencia por el talento que se manifiesta en obras realizadas con gran soltura, que miran al futuro sin asfixiarse ni amanerarse en las técnicas del pasado. 

El arte actual debe innovar, demostrar que se gesta en el siglo XXI con los valores positivos de nuestro tiempo: materiales reciclables, ecológicos; originalidad en el estilo y técnica empleados, talento y autenticidad.

Y, como siempre, no tratar de imitar las piezas de los clásicos porque estos tuvieron su tiempo. El éxito se encuentra en el otro extremo: donde existe la libertad para crear sin dogmas técnicos o estilísticos ni academicismos hace tiempo muertos.

Esculturas orgánicas de madera de Heechan Kim

El brillante artista Heechan Kim nació en Corea, residiendo desde hace ocho años en los Estados Unidos. Una vez terminados sus estudios de Artes en metal y joyas en San Francisco y de Diseño de muebles en Rochester, su trayectoria ha discurrido por los caminos del arte, en concreto, de la escultura, que le permite mayor libertad para expresar la relación emocional establecida entre los seres humanos en la sociedad actual.

Trabaja con delgadas y delicadas cintas de madera (ceniza, roble blanco, arce) que cose con finos hilos metálicos (de cobre o alambre) hasta crear formas escultóricas orgánicas que hablan de agresividad, pasión, erotismo y demás emociones capaces de obsesionar y convulsionar al ser humano.

Gran observador de la complejidad psicológica de la condición humana, Heechan Kim crea esculturas dentro de un estilo conceptual que le permite expresar los conflictos humanos, gracias al fuerte contraste entre las delicadas láminas de madera y las fuertes y casi hirientes púas del metal con el que va cosiendo minuciosamente las diferentes maderas, logrando estructuras escultóricas livianas y sin fisuras.

Escultura orgánica con materiales reciclados de Heechan Kim

Simbólicamente, cada pieza contiene la representación de una emoción del ser humano; las formas retorcidas expresan sus conflictos, luchas, temores, la individualidad permeable al exterior que necesita y del que se protege simultáneamente.

Interior que alberga espacios que solo el individuo conoce, o quizá no, capaces de llenarse con nuevas experiencias vitales. Secretos. Subconsciente. El enemigo oculto muchas veces es uno mismo. Ahí las púas también hieren: masoquismo ignorado. Lucha por mantener la cordura en una sociedad despersonalizada.

Laberinto propio en el que no se encuentra la salida. Neurosis. El hombre es un universo en sí mismo que busca la relación con su creador, la razón de su existencia. Y mientras, crea barreras para protegerse de sí mismo y del exterior.

“8”, pieza realizada con cenizas y alambre de cobre. Fotos: Elizabeth Torgerson-Lamark

En otras esculturas vemos formas en las que el interior está blindado, protegido. Abriéndose desde los extremos al espacio exterior: Heechan Kim marca la distancia del espacio vital del individuo que no debe franquearse, celoso de sus temores, miedos, etc., e intentando, a su vez, mantener el equilibrio en su contacto con los demás. Porque nadie es una isla. Porque el ser humano es un ser social.

Detalle: madera y alambre

Detalle en el que apreciamos las púas de los alambres con el que ha cosido la madera, simbolizando unos eficientes mecanismos de defensa ante la posible invasión de los demás.

 “2”, realizada con ceniza y alambre de acero

Bellísima y elegante pieza que muestra la visión equilibrada del hombre. La gran apertura vertical permite ver el interior sin violentar, ya que el acero central horizontal no lo permite. La escultura representa el equilibrio alcanzado cuando el ser humano logra mantener su individualidad en una correcta y sana correspondencia con los demás miembros de la sociedad.

Las obras del escultor Heechan Kim muestran un amplio abanico de situaciones emocionales, en las que el hombre se retuerce por dentro, teme al exterior a la vez que ansía la comunicación y aprobación de sus congéneres.

Pasiones y pulsiones que encontrará si observa con detenimiento sus esculturas, en las que la fragilidad de la madera (como los sentimientos humanos) contrasta fuertemente con los alambres que teje para protegerse. El cosmos y microcosmos humano. Cada escultura es una emoción, un sentimiento, un avatar, una herida, un contratiempo vital, también una alegría.  Quizá ese hombre (o mujer) con el que usted se acaba de cruzar.

Las esculturas ecológicas de Sayaka Ganz

La ecología y la cultura de biosostenibilidad gana adeptos a pasos agigantados. Asistimos al empleo de materiales reciclados en productos que hace décadas hubiera sido del todo impensable. Obras de arte, diseños y complementos creados con materiales de desecho son el punto de mira de los mejores interioristas y los amantes del lujo actual.

Ya no es suficiente diseñar y crear, ahora es necesario hacerlo cuidando del medioambiente. El plástico, que se obtiene de derivados del petróleo, es un gran tóxico para nuestro planeta: contamina nuestros mares y ríos provocando la enfermedad y muerte de millones de aves y animales acuáticos (tortugas, cetáceos, etc.), siendo el agua el principal vertedero de los plásticos que utilizamos. 

Para reciclar plástico se emplea solo la décima cantidad de energía que para fabricar un nuevo plástico: con ello, ahorramos energía y materias primas nuevas, a la vez que protegemos la vida de nuestros mares y ríos.

Todo esto lo conoce muy bien la escultora nipona Sayaka Ganz: sus esculturas son creadas con materiales reciclados (en su taller, acumula decenas de contenedores de plásticos diversos, chatarra metálica, etc.) que constituyen la materia prima de sus creaciones. Obras en las que predomina el movimiento, la vida, la fuerza y la regeneración.

Caballos creados por Sayaka Ganz

Sayaka Ganz emplea lo destinado a destruir el medioambiente en crear magníficas piezas escultóricas. Aves, peces, caballos, perros cobran vida en su taller mostrándonos el interior de su anatomía reciclada. Frente a la destrucción, construcción. Frente a lo que “ya nadie quiere”, una obra de arte que todos desearíamos poseer. 

La artista japonesa rescata del olvido miles de utensilios de plástico cotidianos: los junta, organiza, compone y dota de alma a cada una de sus piezas: animales que eclosionan henchidos de vida como los excelentes caballos que les muestro en la foto superior. 

Perro creado con chatarra por Sayaka Ganz, en Isetan Shinjuku.  Fotografía de Eriko Hayashi

En la foto, una de sus esculturas en el escaparate de los almacenes Isetan Shinjuku de Tokio. Si para nosotros el perro es el mejor amigo del hombre, también Sayaka se está convirtiendo en  la mejor embajadora de la ecología a través del arte. El perro expuesto en el escaparate, además de denotar el buen gusto artístico de la marca Isetan, sirve para concienciar a la sociedad de la importancia de la cultura ecologista.

Hay mucho escrito sobre el papel civilizador del arte, y yo deseo hablar sobre el papel concienciador del arte. 

El arte no es arte si no logra transcender, y para ello, debe aportar algo nuevo a la sociedad en la que surge. Sayaka Ganz es una creadora genuina respetuosa con la vida y el planeta: sus esculturas nacen de su propia necesidad de mantener vivo lo inerte, de recuperar lo desechado y darle una nueva forma. Donde había basura ella crea belleza. Donde nada había, crea vida. Donde dominaba el caos nos devuelve armonía. Donde reinaba la indiferencia surge la admiración. 

El arte debe ser hijo de su tiempo y mostrar los valores actuales siendo capaz de suscitar emociones y sentimientos atemporales. Esto está presente en la obra de Sayaka Ganz: les recomiendo no perder de vista a esta extraordinaria artista.

Para aquellos que deseen tener la reproducción de una obra suya, la artista pone a su disposición fotos firmadas con sus obras, así como diferentes complementos y accesorios en su tienda online realizados con materiales orgánicos e impresos con sus esculturas.