Las Joyas de Julieta Álvarez o el Arte de la cerámica con glamour

Creció viendo "nacer" las esculturas de su padre y se enamoró de la arcilla, del modelado, de la creación pura, jugando con pellas de barro que le proporcionaba su progenitor. 

La diseñadora de joyas y complementos (bisutería y objetos de decoración), Julieta Álvarez, tiene su casa-taller en Madrid desde donde crea y comercializa sus creaciones de artesanía contemporánea por todo el orbe. 

Sus piezas se han exhibido en Museos como el Pompidou de París, se venden en el Museo Reina Sofía de Madrid, la boutique de la Fundación Miró (entre otras muchas) y han sido objeto de portadas y artículos en las revistas más glamorosas.

Foto @joyeriamiguel

Amante del teatro y la danza, trabajó como diseñadora textil para marcas como Fun and Basic o Castañer, entre otras. También incursionó en el diseño gráfico hasta encontrar su lugar en la creación de piezas de cerámica únicas.

Compatibiliza su trabajo con la docencia en en el Instituto Europeo di Design que es el Centro Superior de Diseño IED ubicado en Madrid, donde imparte clases de diseño de textiles y decoración de papeles de pared, con diseños propios.

Foto @johnrobshaw

La vida de Julieta siempre se ha desarrollado en diferentes facetas de la cultura artística. Con un sólido bagaje como escultora, diseñadora, joyera y ceramista: su éxito se ha debido a la especialización en piezas exclusivas y orgánicas empleando la cerámica, a la que dota de formas dinámicas en su afán de mostrar la belleza inherente en sus delicadas formas, sus piezas artesanas son fruto de la sabia combinación de arte y diseño.

Trabaja el barro con delicadeza e incompletitud, con resultados muy orgánicos, curvos, irregulares porque nada tiene una forma ni respuesta definitiva y aún menos en la naturaleza que le sirve de inspiración. La naturaleza odia la perfección.

Después de modelar cada pieza guiada por la intuición, la lija y la somete al primer horno para posteriormente esmaltarla; tras salir del horno por segunda vez aplica con un pincel oro, plata o un color que se cocerá posteriormente en una tercera hornada y procederá a engastarla. Todo el proceso cien por cien artesanal y con una generosa dosis de cariño y buen saber hacer en cada pieza.

Foto: @LOfficielES

Sus joyas han desfilado con las modelos por diferentes pasarelas y son el oscuro objeto de deseo de muchas mujeres, ya que aportan un toque de distinción y elegancia muy contemporáneas.

Joyas engarzadas en oro, plata, y colores como el rojo, púrpura, rosa, blanco, lavanda, verde, marfil, etc., inspiradas en algunos artistas que admira, en el mundo submarino (con sus texturas y la vida que alberga), en el mundo floral con sus rosas y calas, corales bañados en oro. Convertidas en colgantes, pendientes, anillos, pulseras, brazaletes, todas diferentes, todas únicas, todas especiales.

Sus colecciones estrella actuales son Iris, Cala y Georgia (inspirada en las creaciones florales la artista estadounidense Georgia O’kkeffe, quien apenada porque las personas del entorno urbano apenas disponían de tiempo para ver flores, decidió pintarlas para “obligarlos” a ver los pequeños detalles de las mismas).

Foto: @LOfficielES

En la web de Julieta Álvarez también pueden adquirirse objetos de decoración, como jarrones, esculturas, móviles, etc., para cuya ejecución ha empleando la misma técnica que para las joyas; estos elementos tan particulares confieren un punto de originalidad y modernidad en el hogar con el plus de la exclusividad.

Vivir el Arte en El Four Hotel Seasons de Madrid

 

Arte, lujo y vacaciones inolvidables en pleno corazón de Madrid para los amantes de la cultura que viajen a la capital, ávidos de la experiencia más selecta y exclusiva.

El lujoso El Four Hotel Seasons se ubica en el centro de la capital española, forma parte del Centro Canalejas, en la manzana de oro de la capital española (excelente para ir de compras a tiendas exclusivas). 

Se trata de un maravilloso complejo urbanístico y comercial renacentista que engloba siete edificios históricos minuciosamente restaurados con absoluta fidelidad arquitectónica, pero comprometidos con el medioambiente y la sostenibilidad. 

Por ejemplo, en el hotel los ascensores son ecológicos, todos los espacios disponen de tecnología LED, los envases son reciclables e, incluso, en la cocina los menús se realizan con productos ecológicos, siendo el setenta por ciento de los proveedores locales, en su compromiso con la sostenibilidad. En definitiva, un logrado equilibrio entre tradición y modernidad.

El Four Hotel Seasons cuenta con 200 habitaciones y 39 suites exclusivas, algunas dúplex, otras con amplias terrazas, la mayoría con disposiciones diferentes para que cada estancia brinde una experiencia única.

Puro lujo y confort con piscina, spa, sauna, gastronomía con Estrellas Michelín amén de todos los servicios que puedas necesitar o desear.

Crédito Four Hotel Seasons

Cómo no mencionar el patio, ubicado en el lobby del hotel, con elementos arquitectónicos que datan de 1.925 y que exhibe la magnífica escultura del artista Kwas. En él se dan de la mano lo clásico y lo ultra-moderno en un afortunado maridaje.

Y más Arte, el hotel exhibe en todas sus zonas obras de arte contemporáneo español: la colección está integrada por más de 1.500 pinturas, además de esculturas, obra gráfica y fotografía de artistas españoles reunidas por la comisaria de arte Paloma Fernández - Iriondo.

Este ofrecimiento artístico no es exclusivo para los clientes que pernoctan en el hotel, pues para aquellos que deseéis ir a comer al restaurante disfrutar del también elitista gastrobar de Isa, igualmente tendréis acceso a cargo del chef Dani García (brasería y cocina tradicional andaluza) y a múltiples obras de arte actual, en el lobby del hotel, fundamentalmente de artistas emergentes españoles. Como los que accedieron a través del IV Certamen de Artes Plásticas Hotel Four Seasons a instancias de Paloma Fernández – Iriondo y en colaboración con El Centro Canalejas Madrid y la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid. Los artistas ganadores de dicho concurso exponen sus obras en diferentes estancias, como suites, pasillos y restaurantes.

crédito time out

Para los que vengáis a Madrid y deseéis alojaros en esta joya de hotel, en la reserva tenéis la opción de contratar estancias que incluyen dar un Paseo por el Arte, ya que está ubicado en la céntrica calle de Sevilla (entre la Puerta del Sol y el Barrio de las Letras), con entradas de añadido valor cultural para visitar la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, entre otros lugares de gran valor artístico - cultural.

Diseño de calendarios con elementos cotidianos o Tatsuya Tanaka

Empleando cualquier alimento de los que todos tenemos en la cocina hasta los productos básicos que hay en cada hogar, el artista japonés Tatsuya Tanaka ha hecho todo un Arte con su original combinación de elementos, para acabar fotografiando sus diseños creativos y transformar lo efímero en calendarios permanentes. 

Calendario que actualiza día a día desde el año 2.011 para que, al despertar, nos produzca una sonrisa y un amable gesto de admiración. 

¿Es solo diseño? ¿Es Arte? ¿Pero qué es el Arte? Pienso que cuando el pensamiento creador, como es este caso, logra crear mundos nuevos con elementos y objetos cotidianos y de total actualidad, hablamos de Arte. Y los inmortaliza con su cámara para nuestra sorpresa y disfrute. 

Foto: crédito Tatsuya Tanaka

Sobre estas líneas, calendario del próximo año 2.022, ya disponible en su tienda a un precio que no llega a 17 €. Cada día lleva impresa una de sus obras, todas originales. Si deseáis adquirirlo podéis hacerlo aquí desde Japón. 

Para Tatsuya Tanaka el brócoli y el perejil son alimentos base en su trabajo, convirtiendo sus hojas y brotes en la naturaleza que acompaña a la mayoría de sus obras. 

Foto: crédito Tatsuya Tanaka

La metamorfosis de estas galletas o snackers tipo crackers, con diferentes salsas y el perejil, nos traslada a una “sala de estar” donde un hijo ve con su padre la televisión. 

Foto: crédito Tatsuya Tanaka

Unas chancletas y brotes de brócoli son transformados por el diseñador en un hermoso campo de golf. Sencillez no exenta de genialidad y elegancia para alegrarnos el día.

En su mente, las cosas pueden transformarse y adquirir un significado nuevo: cambiar el símbolo de un deporte (guantes de boxeo) por otro diferente y al aire libre: un joven practicando surf, en un alarde de pensamiento divergente propio de una gran capacidad creativa. 

Foto: crédito Tatsuya Tanaka

Como la mente de un niño que no está sesgada, que carece de prejuicios y vuela libre, sin miedo, para dar forma a sus ideas, el creador japonés plasma en sus diseños universos nuevos que nos permite adentrarnos en su mente con sus alegrías, deseos y temores. 

Foto: crédito Tatsuya Tanaka

Las grapas, cuya función es unir, son empleadas por Tatsuya Tanaka como elementos que proporcionan descanso y protección durante la convalecencia, camas que nos mantienen unidos a la vida. 

Foto: crédito Tatsuya Tanaka

En otra de sus creaciones vemos cómo los smartphones simbolizan el lugar de descanso eterno. Pudiera ser una analogía entre nuestra mente y los datos y memoria que han guardado instantes de nuestra vida en imágenes, conversaciones, relaciones, etc., mientras usábamos nuestros teléfonos móviles y que continúan vivos en la nube, en internet, durante más tiempo de lo que la mayoría imagina. 

Foto: crédito Tatsuya Tanaka

Carpetas, clasificadores y grapas permiten que nos desplacemos por estas escaleras mecánicas, dando dinamismo a objetos de por sí estáticos, y transmutando el conocimiento escrito en comunicación verbal.

Estas creaciones trasladadas a sus mini-calendarios, con 365 imágenes, nos muestran la capacidad de la mente humana para adaptarse a los nuevos tiempos, con elementos que no eran los habituales del Arte, ni los adultos su público de destino final. 

Sin embargo todo va cambiando; el Arte también lo hace en sus técnicas, soportes y medios de comunicación. Porque si el ser humano va cambiando, el Arte que es una de sus manifestaciones también ha de cambiar con él.

Los retratos de Scott Gundersen con corchos reciclados

Ni pintura ni escultura: los retratos diseñados por Scott James Gundersen hace años que rompen con el concepto tradicional del arte al desarrollar sus obras empleando corchos reciclados con los que crea retratos que ya han viajado por todo el planeta.

Este profesor de arte supo transgredir y crear diseños con una noción más actual de lo que es o puede ser el arte, más allá de los materiales y métodos clásicos, y realizar sus ya conocidos retratos orquestando con gamas tonales miles de tapones de corcho que conservan las manchas de los diferentes vinos, hasta lograr dar forma a diferentes personajes.

Si el vino nos acompaña en las comidas y cenas con la familia y amigos, momentos de feliz celebración, los corchos de estas botellas son recuperados por este joven artista y convertidos en rostros para siempre y cuyos extremos, antes bañados en los caldos, se muestran al exterior buscando una nueva luz y dotados de una nueva significación.

El artista trabajando bajo la atenta mirada de su hija

Su fama se ha ido extendiendo y el pasado mes de enero recibió un encargo del gobierno portugués: inmortalizar a los Reyes de España. Para realizarlo necesitó alrededor de 40.000 corchos con el resultado que pueden observar bajo estas líneas.

Scott Gundersen viajó a Madrid para entregar su obra realizada con corchos de vino.

Celebro ver cómo los tapones de corcho pasan de la industria del vino al mercado del arte gracias a la audacia y amor por el reciclaje de un profesor de arte que, sin ninguna duda, será fuente de inspiración para sus alumnos y admiración para el resto de los mortales que observamos cómo sus trabajos, de una técnica muy depurada, cruzan la frontera imaginaria establecida entre el mundo de las manualidades o de la artesanía y el del arte. Renovarse o morir, atreverse o morir: esta es la lección ofrecida por el artista plástico de Michigan.

Corcho ecológico para estos retratos tan singulares

Los diferentes tamaños y tonos de los corchos son meticulosamente dispuestos para que emerjan los rostros. En su taller, Gundersen, creando uno de sus retratos.

Fragmentos de sus retratos que nos permiten ver la disposición de los tapones de corcho de vino.

Los tapones son fijados teniendo en cuenta la gama cromática natural, los diferentes tamaños, texturas y diámetros de las piezas; a modo de mosaico realizado con teselas cilíndricas con los que logra crear estos bajorrelieves tan originales, ecológicos y artísticos.

Parte de sus retratos han sido expuestos en el Centro Jhon F. Kennedy, como estos de Federico García Lorca, Gabriel García Márquez, Gabriela Mistral y Jorge Amado.

El creativo trabajando en un gran mural

También ha recibido encargos de murales promocionales en vivo y son muchos los coleccionistas que ya han adquirido una pieza de este autor. Para aquellos que deseen tener una pieza tan singular, se encuentran a la venta en la web del artista, a través de la misma también pueden realizarse encargos.

Me agrada el corcho. Debemos emplear corcho y evitar los tapones de plástico, etc. Tengamos presente que el corcho es un material natural, biodegradable, no contaminante y el árbol que lo produce (el alcornoque) ayuda a controlar las emisiones de dióxido de carbono porque lo absorbe y contribuye a frenar el cambio climático. De todo ello pueden profundizar más leyendo los diferentes artículos que nos facilita Adena.

El arte de la Música de lujo actual I

Hay momentos en la vida en que treinta minutos son un lujo, y más si esa media hora tiene un valor incalculable. Si además se tiene la posibilidad de disfrutar de ese tiempo escuchando melodías que son obras de arte inmateriales y consiguen instantes de relajación, eso ya no es lujo, es…

Existen músicas compuestas por auténticos creadores que imprimen personalidad, sentimiento y vivencias capaces de emocionarnos. Instrumentos clásicos como la flauta de pan, el piano, la guitarra clásica, el arpa o instrumentos electrónicos; incluso músicas interpretadas a base de sintetizadores y ordenadores. Los medios son casi infinitos para este arte universal.

Ese ratito escuchando atentamente (no basta sólo con oír) interpretaciones majestuosas, obras de arte sensoriales: eso es lujo y exclusividad.

Probablemente en España haya habido numerosas personas que hayan influido y dado a conocer estas músicas; pero yo me quedo con la labor de Ramón Trecet en Radio 3 de Radio Nacional de España. Esos sesenta minutos eran magia celestial. Mostrarle mi agradecimiento es poco, porque consiguió hacerme llegar una pasión maravillosa por la vida a través de la música denominada “New Age”. Música con mayúsculas. Arte, al fin y al cabo.

Por ello les quiero hablar de este lujo al alcance de todos; porque todos tenemos alguna vez treinta minutos para disfrutar de un momento de paz. 

Hay cientos de buenos músicos, pero muy pocos los que me llegan al corazón con su sabiduría, su sensibilidad y su buen hacer. Para empezar, les mencionaré cinco: Robert Haig Coxon, Ray Lynch, Andreas Vollenweider, Lito Vitale y Kitaro. Y, ¿por qué estos cinco?. Pues para demostrarles que cualquier parte del mundo es buena para gestar y crear un excelente músico. También, que la música no conoce fronteras.

Robert Haig Coxon:

nació en Canadá a mediados de los años cuarenta del siglo pasado. Su faceta principal es, como en los demás casos, la de compositor. Él se apoya en los teclados y en unas músicas ensoñadoras.

Robert  Haig Coxon

Ray Lynch: 

vino al mundo, también a mediados de los años cuarenta del siglo pasado, en la capital de Utah. Es un apasionado de la guitarra clásica española. Desde su Salt Lake City natal se trasladó a Barcelona para estudiar con Eduardo Sainz de la Maza. Admirador apasionado de Andrés Segovia, su carrera se ha basado en la guitarra y el laúd, pero como los demás artistas ha evolucionado hacia composiciones instrumentales. Sus composiciones tienen un ritmo cautivador, mezclando pop y jazz.

Ray Lynch

Andreas Vollenweider:

nació en Suiza, concretamente en Zurich. Mezcla jazz, pop y clásica. Él se cataloga como multi-instrumentista. Pero su arpa no tiene límites, incluso llegó a investigar para dotarla de una musicalidad electrónica que ampliara sus posibilidades sonoras.

Andreas Vollenweider

Lito Vitale: 

nacido a principio de los sesenta en Argentina. Pianista al igual que su padre y precursor, en cierta medida, del rock progresivo argentino. Su estudio musical abrazó la fusión de la música popular argentina con el jazz y el rock.

Lilo Vitale

Y, por último, Masanori Takahashi: 

mundialmente conocido como Kitaro. De profundas creencias sintoístas, este japonés llevó las nuevas tecnologías a un punto máximo de expresión musical.

Kitaro

América del Norte, Europa, América del Sur, Asía ..., la sensibilidad y la capacidad creadora de estos músicos no conoce fronteras; su único denominador común es haber disfrutado en su niñez de valores culturales y artísticos, de respeto y educación, de todo aquello que favorece la creatividad.

Los diseños exclusivos de lámparas de papel de Paula Arntzen Hang

La diseñadora holandesa Paula Arntzen crea a partir de diversos materiales, pero son sus diseños realizados con papel los que más han llamado mi atención: complementos de iluminación o iluminarias realizados artesanalmente, lámparas de techo exclusivas dotadas de una gran belleza y originalidad que nos ilustran de cómo el diseño actual estrecha la distancia que le separaba del arte, hasta el punto de convertirse en prácticamente imperceptible.

Lámpara realizada artesanalmente con papel transparente: aúna belleza y funcionalidad.

Trabajando con nuevas formas y materiales, flexibles, que permiten diseños más orgánicos, la diseñadora da rienda suelta a su creatividad y crea complementos de iluminación de gran atractivo sin menoscabar su funcionalidad.

Tras una previa y gran investigación con formas escultóricas basadas en el papel, Paula culminó con la creación de la colección denominada “Procesos de papel” en la que juega con la interacción de los diferentes planos de las tiras de papel, principalmente estucado, de alta calidad y la luz y sombras que proyectan las luces que albergan.

Lámpara de techo de diseño exclusivo, Paula Arntzen

La impresión óptica es de una escultura realizada con diferentes tiras de papel pintado destinada a albergar luz: arte en lámparas.

Trabajando con cintas de papel dispuestas en diferentes planos y empleando una armónica gama de colores, diseña lámparas con forma de bulbo de gran belleza, elegancia y modernidad. Además, todas han sido elaboradas a mano, siendo piezas exclusivas, obras de diseño - artesanía.

Lámpara artesanal diseñada por Paula Arntzen

Por las características del material (papel) las lámparas son de gran ligereza y, a pesar de su humildad, el resultado es de una gran originalidad y sofisticación, además de ser todas ellas piezas únicas. No en vano es una de las diseñadoras “fichadas” por Artecnica que comercializa alguna de sus creaciones, si bien Paula Arntzen es una diseñadora independiente que diseña en su propio estudio donde continua investigando sobre las propiedades conjuntas del color, el papel y la luz.

Diseñadora y artesana pues, en definitiva, estamos ante una artista. Una escultora fascinada por las luces y el color, formada en la fabricación de muebles y en diseño industrial, la sirvió de base técnica pero supo dar, gracias a su gran creatividad, un giro al diseño de lámparas de techo para convertirlo en arte en lámparas, en el que ninguna se repite.

¿Lámparas o esculturas? Esculturas convertidas en lámparas, sin ninguna duda.

¿El diseño es Arte? Sí, cuando el producto diseñado y producido es una pieza única o una serie limitada de gran calidad y valor estético, es Arte. Cada pieza artística, cada obra de arte, es única y exclusiva. Asistimos al auge del Diseño – Arte, de los diseñadores – artistas que cada vez están más presentes en el punto de mira de interioristas y decoradores que cuentan con una clientela exigente que gusta de piezas originales, además de salir en prestigiosas revistas de diseño y arquitectura.

Con los diseños de Paula Arntzen la iluminación se convierte en un arte suavizada por la liviana pantalla de cintas de papeles de colores que permiten la emisión de una luz suave y matizada por dichas tonalidades creando ambientes muy peculiares.

Como cualquier artista, la diseñadora holandesa expone sus lámparas exclusivas, hechas a mano, para su venta directa. También, pueden adquirirse sus piezas en diferentes webs de diseño así como directamente contactando con ella a través del formulario de su página web.